Seit wir nun in St.Gallen sind, war ich jeden Tag an der Theaterpforte, um zu schauen, ob Post für mich gekommen ist, was insofern etwas aufwendiger ist, als das Theater St.Gallen zwei Adressen hat. Museumsstrasse 1 - ich meine, das ist die Verwaltung, vielleicht aber auch die Kasse, ich hab's noch nicht raus - und Museumsstrasse 24, das ist das eigentliche Theater. Museumsstrasse 1 ist ein Neubau, alles schick mit Beton und viel Glas, es gibt eine automatische Schiebetür, die bei mir jedoch nicht aufging. Zum Glück kam aber gerade eine junge Mitarbeiterin aus der Verwaltung (oder von der Kasse?) und hat mir aufgemacht. Ich habe mich ihr vorgestellt und erklärt, dass ich Post erwarte, und da ich nicht wisse, wo sie wohl ankäme, auch nicht weiß, wo nach ihr schauen. Nachdem ich ihr das alles gesagt hatte, meinte sie zu mir: „Si chönt scho normal mit mir schwätze!".

Ich hatte Deutsch mit ihr gesprochen. Ah, jetzt geht das los, denke ich, das kenn ich ja schon, denn das passiert mir dauernd und dauernd werde ich dafür gerügt. Ich sage: „Das ist nicht die Antwort, die ich erwartet habe". - „Si chönt doch Schwiizerdütsch, oder nöd?". Erst als ich ihr - auf Schweizerdeutsch! erklärt habe, dass ich selber nicht merke, ob ich Deutsch oder Schweizerdeutsch spreche, war sie schließlich bereit, mir Auskunft zu geben.

Was ist das, was ist da los? Meine Grossmutter hatte mich auch immer korrigiert, wenn ich aus Berlin bei ihr zu Besuch war. „Chasch du nümm Bärndütsch?", in schroffem Ton. Aber sie war meine Grossmutter, und hat mich außerdem schon korrigiert, als ich noch ganz klein war. „Nä-äh!" und „Hä?" waren bei ihr absolut tabu. Und: es heißt „Zwe Manne, zwo Froue, zwöi Ching". Meine Grossmutter ist inzwischen verstorben und fast finde ich schade, dass es nun niemand mehr gibt, dem diese Dinge wichtig sind. Weiß das heute noch jemand, wird da noch drauf achtgegeben?

Zurück zum Thema. In Zürich einmal, im Strandbad, kam ein mir fremder Mann auf mich zu und sagte: „Du, ich hab dich in einem Interview im Schweizer Fernsehen gesehen. Wenn ich Dein Image-Berater wäre, würde ich Dir empfehlen, Schweizerdeutsch zu sprechen". - Hä? Pardon, wie bitte? Ich will keinen Image-Berater, und mit meinem Image soll sich befassen, wer mag, ich befasse mich nicht damit. Seit mehr als 20 Jahren lebe ich in Deutschland, mein Mann ist Deutscher, wir sind seit 25 Jahren zusammen, wir reden Deutsch miteinander, ich denke Deutsch, ich glaube, ich träume sogar Deutsch. Warum muss ich mich dafür entschuldigen, warum muss ich das überhaupt erklären?

Als kleiner Bub fand ich Deutsche auch doof, ganz doof! Deutsche waren die, die Schuld daran waren, dass man am Skilift lange anstehen musste. Von der Sprache wollen wir gar nicht reden. Aber das ist 40 Jahre her, ich war ein kleiner Bub. Heute bin ich da tolerant.

Von den sechs bestellten Paketen ist übrigens nur eins rechtzeitig angekommen, die anderen sind noch unterwegs oder irgendwo hängen geblieben, sie kommen später. Dafür muss ich sie dann auch nicht mehr schön einpacken.

Am Silvester 2007 war das Theater Rigiblick ein Kreuzfahrtschiff. Wir zeigten eine Revue, bei der es an Bord der „MS Rigiblick" die Richtung Datumsgrenze lief, im grossen Ballsaal zu zahlreichen Unfällen und Komplikationen kam. Mit von der Partie waren als Kapitänin Regierungsrätin Regine Aeppli, als Star-Opernsänger Regierungsrat Markus Notter und als Bordmechaniker im Blaumann und mit Helm bestückt der Finanzvorstand der Stadt Zürich, Martin Vollenwyder.

Im Laufe der Revue schlichen sich immer mehr Katastrophen ein, bis die Leitung der MS Rigiblick beim grossen Finale eingreifen musste.

Bei Theatervorgängen sind Missgeschicke spannend. Über sie kann man lachen, weinen, sich den Kopf zerbrechen. Wenn alles reibungslos läuft, wird es langweilig. Bei Proben lege ich mir als Schauspieler bewusst Hindernisse in den Weg, damit ich Geschichten erzählen kann.

Stellen Sie sich vor, Goethes Zauberlehrling hätte die Geistesgegenwart besessen, den Stöpsel zu ziehen, nachdem der Besen die ersten Eimer Wasser in die Wanne gekippt hatte. Wie langweilig, wenn sich der Bottich nicht drohend gefüllt, die Holzstücke furchterregend vervielfältigt, das Wasser nicht beängstigend gestiegen, wenn nicht als Deus ex machina der grosse Hexenmeister gekommen wäre.

Auch im Rigiblick haben wir in den vergangen fünf Jahren immer wieder Geister gerufen, deren wir manchmal fast nicht mehr Herr geworden wären. Im Betriebsbüro drohte wegen der massiven Häufung von Anfragen von Gruppen der Kollaps, beim Ticketing kamen wir an den Anschlag, wegen der zunehmend komplexen Bühnenbilder rang die technische Leitung mehr als einmal die Hände.

Immer wenn es wieder einmal dramatisch war, halfen uns gute Geister. Mittlerweile ist eine Familie aus Künstlerinnen und Künstlern, aber auch aus Zuschauerinnen und Zuschauern an Bord der MS Rigiblick zusammen gewachsen.

Wenn ich gerade dabei bin: Ein guter Geist an Bord der MS Rigiblick war Uta Kenter. Ihr sorgfältiger Beitrag über „To the Dark Side of the Moon" im Kulturplatz hat uns Wohlwollen beschert. Dafür sei Ihr hier im Abschiedsblog gedankt.

Vor gut einer Woche war im Foyer des Theater Rigiblick die Vernissage des Künstlers Valentin Lustig mit seinem fünfteiligen Bilderzyklus „Kapitän Nemo's Harem". Die fantasievollen Bilder finden beim Theaterpublikum grossen Anklang. Auf dem vierten Bild „Grand Salon" ist ein Stuhl zu sehen, auf dem die Uniform Nemo's liegt. Aber wo ist Nemo selber?

Die fünf Bilder Valentin Lustigs beherbergen siebzig Haremsdamen, aber auf keinem Bild taucht Kapitän Nemo selber auf. Eine These dazu ist, dass Nemo von seinen Frauen umgebracht wurde. Eine weitere These ist, dass er sich mit einer Haremsdame in einem nicht zu sehenden Zimmer vergnügt. Da im ersten Bild des Zyklus, nämlich der „Küche", viel Gemüse auf dem Boden liegt, schmunzelte gestern Urs Widmer, dass sich Nemo vielleicht im Gemüsegarten aufhält. Vielleicht aber ist Kapitän Nemo ganz einfach nur von Bord gegangen und hat sich verabschiedet.

Und dabei sind wir beim Stichwort: ich verabschiede mich jetzt auch, verlasse den Blog und gehe an Land. Ein Monat war ich Blog-Kapitän des Flagschiff Kulturplatz. Naja, vielleicht war ich ja auch nur der Klabautermann ... .

In einer Woche haben Gottfried Breitfuss und ich Premiere mit „Das Ende vom Anfang". Wenn die beiden Figuren des Stücks gymnastische Übungen machen, wirft Darry seinem Freund vor, er bewege sich „wie ein Donauwalzer im Marschtakt". Ein wunderbares Bild für die Proben zu einer Komödie. Irrtümlicherweise gehen Laien davon aus, dass die Proben zu einer Komödie zwangsläufig lustvoll sein müssen. Das stimmt leider nur bedingt.

Das Spiel in einer Komödie verlangt einen äusserst hohen Grad an Konzentration und meistens auch ein gossen körperlichen Einsatz. Die Wachheit für den Szenenpartner muss sehr hoch sein: man muss sofort in der Lage sein, seine Impulse aufzunehmen und umzusetzen auf winzige Szenenangebote des Mitspielers einzugehen. Im frühen Probenstadium, wenn der Text noch nicht richtig sitzt, wenn man noch mit sich und der eigenen Figur, der Organisation der Requisiten beschäftigt ist, ist der Frustrationsgrad oft sehr hoch, das Scheitern im Spiel sehr häufig.

Eine gute Komödie verlangt ein leichtes Spiel. Die Probenrealität ist anders: wo man mit der Nagelfeile arbeiten müsste , hat man den Fuchsschwanz in der Hand. Wo man mit dem Florett fechten möchte, steht man mit einer Keule in der Hand da. Statt mit der Leichtigkeit eines Donauwalzers zu tanzen, marschiert man im Viervierteltakt.

Im Laufe der Proben tauchen dann allerdings Lichtblicke auf; für einen Augenblick gelingt das Zusammenspiel, man muss selber lächeln weil man im Auge des Szenenpartners ein Leuchten aufblitzen sieht: Der Flugapparat, mit dem man abheben will, beginnt sich unter Ächzen und Stöhnen zu bewegen. Um so frustrierender sind dann wiederum die ersten Abläufe, in denen nichts gelingen, in denen man den Humor erzwingen, die Komik stemmen will. Das Bild eines Albatros, der hilflos Meter um Meter rennt um abzuheben. Baudelaire fällt mir ein: „souvent, pour s'amuser..." Wie lange habe ich das Gedicht nicht mehr gelesen!

Die Probenzeit ging rasend schnell vorüber. Ich bin etwas erschöpft. Gestern dann ein erster Durchlauf mit Licht und Kostüm. In der Szene, wo Darry und Barry die kaputte Uhr untersuchen, trifft mich Gottfrieds Blick und ich kann mich nicht mehr halten: ich muss schallend loslachen. Das Flugzeug ist ein erstes Mal kurz abgehoben. Nun haben wir noch eine Woche um es ganz startklar zu machen. Ich bin gespannt, ob der Motor im Dreiviertel- oder Viervierteltakt brummen wird.

Gottfried Breitfuss ist ein grossartiger Schauspieler und Kollege; ein Berserker, ein besessener Arbeiter. Einer, der sich nicht schont, einer, der immer wieder in den Ring steigt, der nie locker lässt, der jeden Satz untersucht und immer wieder gnadenlos hinterfragt.

Im Rigiblick spielen wir eine „Faust"-Fassung, in der wir das Werk Goethes mit den grossen Rocksongs erzählen. Natürlich geht mir das entsprechende Faust-Zitat durch den Kopf: „Vom Eise befreit sind Strom und Bäche, durch des Frühlings holden, belebenden Blick, im Tale grünet Hoffnungsglück, der alte Winter, in seiner Schwäche, zog sich in raue Berge zurück." Die Voralpen und einzelne Stellen am Uetliberg sind aber noch verdächtig weiss. Der Winter hat sich noch nicht in sehr raue Berge zurückgezogen ... .

Joggen hat etwas Meditatives, meine Gedanken fliegen. Heute allerdings muss ich mich konzentrieren. Ich mache in Gedanken die Texte zu der Vorstellung „In einer Sternennacht am Hafen" durch, dem Seemanns-Liederabend, den ich gemeinsam mit Daniel Fueter seit fast vier Jahren im Rigiblick singe. Am 5. März spielen wir die mehrfach „zum letzten Male" angekündigte , nun aber wirklich endgültige Derniere der „Sternennacht".

Es fällt mir nicht leicht, mich von dem Abend zu verabschieden; Daniel Fueter und ich verstehen uns mittlerweile blind; beide lieben wir es, die Vorstellung zu spielen. Aber das Rigiblick quillt über: wir haben kaum Stauraum um die Bühnenbilder und die Requisiten zu lagern und über die Jahre hat sich doch einiges angesammelt. Ich spiele mittlerweile sechs Stücke parallel: die „Sternennacht", „To the Dark Side", den Italo-Abend „Azzurro", den Beckett-Roman „Mercier und Camier", die Komödie „Das Ende vom Anfang", den Rock-„Faust", und ab Juni beginnen die Proben zu Dostojewski's „Der Spieler" in der Regie von Volker Hesse. Fast alle Stücke sind Solos oder Duos, das bedeutet, dass immer grosse Textbrocken zu bewältigen sind. Es wird Zeit, dass ich Ballast abstosse.

Nun sind meine Gedanken beim Rennen doch abgeschweift. Ein Eichhörnchen huscht über den Weg und der Specht klopft gegen einen Baum. Ich höre, wie ein kleiner Junge seinen Vater fragt: „Wer hat die Bäume angemalt?" Es war der Förster und es sind die Bäume, die gefällt werden müssen. Auch im Wald wird der Platz manchmal knapp. Der Frühling kommt. Ich freue mich auf die letzte Vorstellung der „Sternennacht am Hafen". Danach ist ein Kapitel abgeschlossen: Frühlingsputz, auch im Kopf.

Ich freue mich über die jahrelang nicht mehr gehörten Songs; Erinnerungen tauchen auf. Wie alte Bekannte kommen mir die Musikerinnen, Musiker und Bands vor: die sanften Planxty, deren erstes Album wir damals zeitgleich mit Pink Floyds „The Dark Side of the Moon" gehört haben. Das wunderschöne Freiheitslied „Only our rivers" berührt mich noch immer. („When apples still grow in November, it's then, when our Land will be free"), die grossartigen Chieftains, die van Morrison zu einem seiner meiner Ansicht nach schönsten Songs verholfen haben. („Carrickfergus" auf dem Album „Irish Heartbeat") die Jigs und Reels der fantastischen und schnellen Bothy Band. („Old Hag You Have Killed Me"), die Brüder Finbar und Eddie Fury mit ihrem Song „The lonesome Boatman", die derben und sinnenfrohen Dubliners, Cran, Donal Lunny, Andy Stewart, Clannad.

Alle Bands spielen Traditionals. Erstaunlicherweise gibt es Songs, die noch immer frisch und unverbraucht klingen, an anderen klebt nicht nur wegen des langen Aufenthaltes auf dem Dachboden Staub. Ich frage mich nach dem Grund, finde aber keine befriedigende Antwort. Eriko Kagawa, die Pianistin von „To the Dark Side of the Moon" fällt mir ein. Bei einem Publikumsgespräch nach einer Aufführung im Theater Rigiblick wurde sie gefragt, ob sie lieber Pink Floyd oder Schubert spiele. Eriko antwortete, dass sie beides gerne spiele. Wichtig sei, dass sie von einer Musik berührt werde. Frank Zappa, der in allen Stilrichtungen experimentierte und neben der Rockmusik auch für das Kronosquartett komponierte oder symphonische Musik schrieb, hasste die Unterscheidung zwischen U-Musik und E-Musik. In einem Interview sagt er: „Für mich gibt es nur gute und schlechte Musik!" Eines ist jedenfalls klar: Gute Musik ist antistatisch: an ihr klebt nie Staub.

In kürzester Zeit bin ich mit zwei Welten konfrontiert: Aus dem Weltall kommend finde ich mich im irischen Alltag wieder. Die Texte und Vorlagen der Theaterabende zu „To the Dark Side of the Moon" und „Das Ende vom Anfang" könnten unterschiedlicher nicht sein, weder in der Form noch im Inhalt: Auf der einen Seite steht die Vorlage von „Dark Side". „Kaleidoskop" ist eine Erzählung von Ray Bradbury, ein abgründiger, ernsthafter, anthrazitfarbener Text, den wir in der Inszenierung als inneren Monolog behandelt haben. Auf der anderen Seite ist „Das Ende vom Anfang" von Sean O'Casey, eine Komödie. Die unglaublich präzise geschriebene, witzige, laute, bunte dramatische Vorlage verlangt ein offensives und extrovertiertes Spiel.

Beide Texte haben einen eigenen, unverwechselbaren Charakter. Erstaunlich und spannend ist für mich bei den Proben, dass beide Texte ihren eigenen Rhythmus und ihre eigene Melodie haben, denen man sich unterordnen muss, damit der Text aufblühen kann und lebendig wird. Wie sagt Goethe im Prolog vom „Faust": „Die Sonne TÖNT in alter Weise ... " Vermutlich hat auch sie ihren eigenen Rhythmus ... .

Zu seinem 60sten Geburtstag veröffentlichte Peter Gabriel am vergangen Samstag, am 13. Februar seine neue CD. Die Fans haben 8 Jahre darauf warten müssen. Peter Gabriel gehört zu den Künstlern, die ich für ihren Drang, Ungewohntes zu wagen, neue Wege zu beschreiten, ungemein schätze. Das Wagnis kann auch darin bestehen, aus bereits Bestehendem etwas Neues zu schaffen.

In Fankreisen wird kolportiert, dass Peter Gabriel über 1000 eigene Songs archiviert hat, die er nicht veröffentlicht. Wenn diese Zahl auch etwas übertrieben scheinen mag, ist es doch naheliegend, dass der Perfektionist Gabriel nicht alles, was er komponiert auch gleich veröffentlicht. Für seine neue CD hat sich der Sänger etwas Besonderes ausgedacht: Unter der Begleitung eines Symphonie-Orchesters covert er Songs von Künstlern wie David Bowie, Arcade Fire oder Radiohead. Zu seinem nächsten Geburtstag in einem Jahr wird er eine CD herausgeben, auf der die Bands, deren Songs er jetzt gecovert hat, seine eigenen Songs interpretieren: eine wunderbare Idee!

Im interpretatorischen Prozess können grosse künstlerische Ressourcen liegen. Der genial-schöne Song „Fade out" von Radiohead etwa kriegt bei Peter Gabriel ein derart neues Gewand, dass man ihn kaum wiedererkennt. Ein eigenes Werk. Ähnlich verhält es sich mit Songs wie „Heroes" oder „My body is a cage".

In unserer Inszenierung „To the Dark Side of the Moon" hat Daniel Fueter 38 Jahre nach dem Erscheinen von Pink Floyd's Album „The Dark Side of the Moon" durch seine Interpretation dem Werk ein neues Gesicht gegeben. Auch wenn er bescheiden von „Arrangement" oder „Cover" spricht, hat er mir doch einmal gestanden, dass seine Arbeit einem ähnlichen Aufwand entsprochen hat, wie wenn er eine Kammeroper komponiert hätte. In Kritiken zu unserer Aufführung war zu lesen, dass man die Musik von Pink Floyd ganz neu hören und erleben würde. Mit seiner Interpretation hat Daniel Fueter etwas Neues geschaffen.

Am Samstag hatten wir im Theater Rigiblick Premiere mit „To the Dark Side of the Moon", einem Theaterabend, der sich mit der Rockgruppe Pink Floyd und einem Text des Autors Ray Bradbury auseinandersetzt.
In Bradburys Erzählung „Kaleidoskop" werden Astronauten aus einem Raumschiff geschleudert und fallen ihrem sicheren Tod entgegen. Nur der Funkkontakt bleibt. Beim Auseinandertreiben kommen trotz oder wegen der Todesangst alte Rivalitäten und Befindlichkeiten noch einmal zum Ausdruck, bevor alle Stimmen nach und nach verstummen. Es stellt sich die Frage nach dem Sinn des Lebens.
In den Song-Texten des Konzept-Albums setzen sich Pink Floyd mit den Themen Geld, Macht, Krieg, Zeit auseinander. Anhand des Schicksals ihres früheren Frontmanns Syd Barret fragen Pink Floyd: Was treibt uns in den Wahnsinn? Der Bassist Roger Waters schreibt: „Der Text des Albums ist so direkt und linear. Es geht um die fundamentale Frage, ob die Menschheit in der Lage ist, menschlich zu sein oder nicht."
Die Übereinstimmung der Themen in „Kaleidoskop" und „Dark Side" sind verblüffend und deckungsgleich bis zur überraschenden, berührenden und tief humanistischen Wendung am Ende von Bradburys Erzählung.

Das Konzeptalbum von Pink Floyd ist in den Abbey-Road-Studios von einem der besten Tontechniker aufgenommen und von einer ausgeklügelten technischen Qualität.
Um nicht mit der raffinierten Studiotechnik konkurrieren zu müssen, entscheiden Daniel Fueter, der musikalische Leiter des Theaterabends, und ich uns dazu, dass Daniel Fueter die Musik Pink Floyds in einer aufwändigen Arbeit für ein Streichquartett und Flügel arrangiert. Die Rechnung geht auf: In der grossartigen Adaption Fueters und der Intensität des Quintetts erfährt man die wunderbare Musik von Pink Floyd neu und lässt sich davon verzaubern.

Am Samstag also war Premiere. Ich fühle mich etwas leer. Wenn ich ein Projekt in Angriff nehme, dauert es in der Regel eine lange Zeit, bis es heranwächst, reift und zu einem Abschluss kommt. Begonnen hat es im Januar 2008 mit der Lektüre von „Spion aus dem All" von Walter Tevis, dem Roman, der dem Film „The man who fell to earth" mit David Bowie zu Grunde liegt. Damals begann eine lange Reise durch das Weltall, in der ich Zwischenlandungen auf dem Wüstenplaneten machte, mich mit Star Wars, Flash Gordon und verschiedensten Weltraum-Helden bekannt machte. Ich habe Comics gelesen, Filme geschaut, verfüge inzwischen über eine Sammlung von über 100 Space-Songs aus den Bereichen Rock, Pop und Schlager, angefangen von den Stones über Queen und Police bis hin zu den Beach Boys oder zu Udo Lindenberg und den Stars der Neuen Deutschen Welle.  Mit der Space-Songs-Sammlung haben wir am vergangenen Silvester das Theater Rigiblick in ein Raumschiff verwandelt, um im Kommandoraum eine Weltraum-Revue zu veranstalten. Daneben schrieb Daniel Fueter an der Umsetzung von Dark Side für Piano und Streichquartett. Zwei Jahre Recherche. Ich bin in dieser Zeit den absonderlichsten Kreaturen begegnet, habe mich mit Eiswüsten, Gaswolken und Stickstoff-Feldern auseinandergesetzt. Gelandet bin ich nicht im Quadranten QX, sondern im Sonnensystem bei Pink Floyd und dem Satz „Everything is eclipsed by the moon". Und dann, ganz am Ende, ganz irdisch bei Ray Bradbury und in seiner poetischen Erzählung, in der ein kleiner Junge eine Sternschnuppe sieht und sich etwas wünschen darf.

Ich stehe in meinem Zimmer, sitze in meinem Zimmer in München, das mir die Kammerspiele zur Verfügung stellen und für Sekunden habe ich den authentischen Eindruck, nicht nur im Zimmer sondern gleichzeitig auf den schwarzen Holzplanken der Bühne der Kammerspiele zu stehen oder zu sitzen. Nach der ersten AMA vor ein paar Stunden, d.h. nach der ersten Probe Alles-Mit-Allem, mit Kostüm, Maske, Licht, Ton usw. war ich im Englischen Garten spazieren und bin jetzt zurück in meinem Zimmer und ... gleichzeitig auf der Bühne der Kammerspiele - da habe ich wohl irgendwas von dem Alles-Mit-Allem mit nach Hause genommen. Es fühlt sich an wie Schwindel. Nicht unangenehm, mir ist nicht schlecht, der helle Holzboden meines Zimmers ist schwarz wie der Bühnenboden und dreht sich langsam - oder der Raum dreht sich oder ich drehe mich ... . Das kommt davon, denke ich, wenn man mit Drehbühne und gleichzeitig ohne festgelegtes Stück oder festgelegten Text arbeitet. Wir stehen mit der Produktion Bonnie&Clyde kurz vor der Premiere und haben zwei Monate Proben, Beschäftigung mit einem Filmstoff hinter uns und sind mittlerweile jeden Tag auf der Originalbühne, die sich im Verlauf des Stückes öfter dreht, mal schnell, mal langsam, links rum, rechts rum. Die „Hardware" dreht sich und die „Software" besteht aus einem Film, aus bewegten Bildern also, aus dreidimensionalen Eindrücken. Da ist es kein Wunder, dass sich auch die Privatsphäre mal dreht und bewegt. Normalerweise arbeitet man am Theater mit Text als Grundlage.

Text vermittelt Linearität, das Gefühl von Geschichte. Damit sind wir vertraut. Text erklärt uns, in welcher Geschichte wir uns befinden. Diese Grundlage haben wir bei Bonnie&Clyde nicht. Der Film bildet unseren Bezugsrahmen, er ist offen und grenzenlos. Vielleicht stehe ich deswegen schwindlig im Zimmer; weil mir  der gewohnte Boden fehlt; weil die gewohnte Sicherheit schwindet. Schwindel. Vielleicht ist mir auch nur schwindlig vom vielen Schwindel-Produzieren.

Dafür werde ich bezahlt. Die Zuschauer bezahlen ja dafür beschwindelt zu werden, schwindlig gemacht zu werden. Sie bezahlen dafür, dass wir ihren Alltag schwinden machen. Und ehrlich gesagt, finde ich auch, dass es nicht nur etwas Bestechendes hat, zu schwindeln, sondern  auch reizvoll ist, beschwindelt zu werden. Solange es charmant geschieht. Ich glaube sogar, dass wir Menschen beschwindelt werden wollen, solange es nicht weh tut. Nach Slavoj Zizek in „The Pervert's Guide To Cinema" ist es so, dass „die ultimative Aussage der Psychoanalyse (die) ist, dass Gefühle selbst betrügerisch sind. Es gibt keine speziell falschen Gefühle, denn, wie Freud es genau darlegt, das einzige Gefühl, das nicht betrügerisch ist, ist die Ängstlichkeit. Alle anderen Gefühle sind falsch." Da wäre es nur einleuchtend auf Schwindel, anstatt auf Ängstlichkeit zu setzen. Schwindel. Vielleicht beschreibt Schwindel auch nur den Übergang oder Wechsel von einem Bewusstseinszustand in einen andern. Dazu fällt mir Albert Hofmann ein, der die Psyche des Menschen anschaulich als Radioempfänger beschrieben hat, mit dem wir in der Regel auf einer für alle ähnlichen Frequenz eine in etwa gleiche Sendung empfangen. Es sei aber möglich, durch Frequenzwechsel andere, neue und aussergewöhnliche Sendungen zu empfangen. Er meinte damit, dass es durchaus möglich sei, andere als die tradierte und für uns gewohnte Realität wahrzunehmen. Schwindel. Schwindeln. Schwinden ... .

Ich verschwinde jetzt als Gastblogger von kulturplatz und möchte mich bedanken bei allen, die sich die Zeit genommen haben, meine Blogs zu lesen.

Der Philosoph und Psychoanalytiker Slavoj Zizek sagt in „The Pervert's Guide To Cinema", seinem unterhaltsamen und lohnenswerten dreiteiligen Filmbeitrag zur Kunstgattung Kino:„Sehnsucht ist eine Verletzung der Realität." Bedeutet uns Sehnsucht demnach, dass die Realität nicht heil ist, dass ihr etwas fehlt? Etwas wie eine Wunde, die juckt und die wir gerne immer wieder aufkratzen, bevor sie ganz verheilt? „Die Kunst des Kinos besteht darin, Sehnsucht zu generieren, mit der Sehnsucht zu spielen. Sie aber gleichzeitig in sicherer Entfernung zu halten, sie zu zähmen, sie deutlich werden zu lassen."

Der Film Bonnie&Clyde spielt mit der Sehnsucht, durch ein wildes und verrücktes Leben und einen spektakulären Tod, in Erinnerung zu bleiben - unsterblich werden und dann sterben! Wir steuern bei unserer Inszenierung auf das Ende zu. Wie werden wir diese Reise zu Ende bringen? Wie werden Bonnie&Clyde an den Münchner Kammerspielen sterben? Ich weiss es nicht. Ich gehe davon aus, dass wir weiter wie bisher auf den Proben improvisieren und diskutieren werden, erkunden und erforschen, welche Texte, Spielformen, Musik, Räume, Fantasien sich als richtig erweisen und zusammen passen, um diese Geschichte zu Ende zu erzählen.

Zu unserer Arbeitsweise und Inszenierung fällt mir noch mal Slavoj Zizek in „The Pervert's Guide To Cinema" ein (als er Gemeinsamkeiten zwischen den Werken einiger grosser Filmregisseure erläutert, ohne unsere Arbeit in irgendeiner Weise mit diesen Meistern vergleichen zu wollen):„Meiner Ansicht nach haben wir es hier mit einer Art filmischem (in unserem Fall: theatralischem) Materialismus zu tun, dass wir unter der Bedeutungsebene, spiritueller Bedeutung, aber auch einfacher narrativer Bedeutung, eine grundlegendere Ebene von eigentlichen Formen finden, die miteinander kommunizieren, interagieren, hallen und widerhallen, sich verwandeln und ineinander übergehen. Und dieser Hintergrund, dieser Hintergrund einer Proto-Realität ist etwas Reales, das dichter und fundamentaler ist als die narrative Realität, die Geschichte, der wir zusehen. Das ist es, was die wahre Dichte des filmischen (theatralischen) Erlebens liefert."

Dieser Hintergrund wird bei uns geprägt durch den persönlichen Einsatz aller Beteiligten auf, hinter und vor der Bühne. Natürlich spielt das in jeder Theaterarbeit eine Rolle und ist bei jeder einzelnen Aufführung präsent und spürbar. Je empfänglicher und neugieriger wir allerdings mit den verschiedenen Formen während der Proben umgehen - mit den unterschiedlichen Auffassungen der Schauspieler zum Stück, den unterschiedlichen Arten zu spielen, der individuellen Scham, dem individuellen Wagnis etc. - mithin der oben erwähnten Proto-Realität, desto stärker wird sie den Theaterabend prägen. Ich kann sagen, dass bei unseren Proben dieser Neugier eine grosse Wichtigkeit zukommt und das gefällt mir gut. Es ist, als ob wir eine Reise gebucht hätten, ohne zu wissen, wo genau sie uns hinführt - also keine Pauschalreise. Wir erkunden die Reiseroute, die Wege, die Hindernisse, die Geologien, die Klimabedingungen usw. und die Destination während wir unterwegs sind. Das ist alles nicht ohne Risiko, aber es ist aufregend und passt zum Stoff, den wir auf die Bühne bringen: Bonnie&Clyde. No risk, no fun!

„Unser Problem lautet nicht: Werden unsere Sehnsüchte befriedigt? Das Problem lautet: Woher wissen wir, was wir ersehnen? Menschliche Sehnsucht ist nichts Spontanes, nichts Natürliches. Unsere Sehnsucht ist künstlich. Man muss uns beibringen, uns nach etwas zu sehnen. Das Kino ist letztlich eine völlig perverse Kunstform. Es gibt einem nicht, was man sich wünscht, sondern lehrt die Sehnsucht." Ich glaube, dass das, was  Slavoj Zizek über Kino sagt, in gewisser Weise für jede Kunstgattung gilt, sei es Musik, bildende oder darstellende Kunst. Wenn eine Theateraufführung beim Zuschauer echte Sehnsucht weckt, dann ist viel gelungen.

Unterwegs im Zug zwischen Ulm und dem Bodensee... Seit gestern sind wir mit „Bonnie & Clyde" nicht mehr auf der Probebühne, sondern auf der Originalbühne der  Münchner Kammerspiele und wir spüren, dass die Premiere näher rückt, und so fehlte mir die Zeit, diesen Blog noch vor dem Wochenende fertig zu schreiben.

Donnerstag, 21.01.2010 Nach der Probe „Sterbeszene Buck Barrow":

... von München kommend unterwegs im Intercity zwischen Flughafen Zürich und Solothurn. Schönes Reisewetter, Sonne, leicht verschneite Landschaft... . Ich bin gerne im Zug unterwegs. Oft lerne ich Text im Zug, weil's mir leichter fällt, wenn ich unterwegs bin. Andere lernen Text in einer Kneipe, mit viel Betrieb und lebhaften Menschen um sich rum. Ich bevorzuge die Bewegung. Meistens bin ich dabei allerdings zu Fuss unterwegs, gerne auch in der Natur. Textlernen wird so zu einem körperlichen Vorgang. Das hilft mir, dem Sprachrhythmus auf die Schliche zu kommen. So habe ich auch heute früh für „Bucks" Sterbe-Szene in „Bonnie & Clyde" meinen Text gelernt. Buck Barrow, den ich spiele, ist Clyde's Bruder und der Erste aus der Bande, der im Kugelhagel der Polizei stirbt. Kugelhagel und Schiesserei auf der Bühne sind meistens fragwürdig und eher lächerlich. Im Film ist das einfacher, nicht nur weil man technisch „schummeln" kann, sondern, weil Film eben, wie John Berger sagt, den Zuschauer woandershin, in eine andere Realität entführt. Film suggeriert in der Regel Realität. Das ist im Theater so nicht möglich und deswegen suchen wir für Schiesserei und Flucht vor der Polizei eher nach einer Verfremdung. Möglicherweise wird aber dann wichtig sein, die Folge der Schiesserei, nämlich das Sterben, emotional zu spielen. Buck wird in Clyde's Armen sterben. Um das ernsthaft probieren zu können, muss ich den Text frei zur Verfügung haben und kann mich nicht dauernd an den Souffleur wenden - also machte ich mich heute früh auf zu einem Spaziergang durch München. Um diese Zeit ist München wunderbar wie jede erwachende Stadt. Alles noch ziemlich ruhig. Menschen, die schon unterwegs sind, schauen in der Regel frisch aus, haben den Tag noch vor sich. Eine gewisse Unvorhersehbarkeit und Unberechenbarkeit liegt noch in der Luft. Das hilft mir, mich zu orientieren und auf den Text zu konzentrieren.

Freitag, 22.01.2010 nach der Premiere von „Zwerge Sprengen":

... wieder im Zug von Solothurn zurück nach München ... . Die Premiere von „Zwerge Sprengen" gestern Abend war hervorragend! Es hat grossen Spass gemacht! Bisher hatte ich erst einen frühen Rohschnitt und den auch nur auf einem Bildschirm gesehen. Die Wirkung auf der grossen Leinwand ist unvergleichlich besser. Und das Publikum in Solothurn war toll! Ich hatte den Eindruck, die Zuschauer gingen voll mit den Doppel- und Dreifachbödigkeiten unserer Geschichte und mit dem Witz von Christofs Dialogen. Es wurde geschmunzelt und gelacht, manchmal auch an Stellen, die ich während des Drehs überhaupt nicht komisch fand, und zum Schluss gab's langen und kräftigen Applaus - was will man mehr! „Zwerge Sprengen" ist ein richtig schöner Schweizer Film geworden. Christof Schertenleib führt den Zuschauer unauffällig, schon fast hinterlistig durch eine Welt, die wir Schweizer gut kennen: Die heile Welt der Familie Schöni, in der Freundlichkeit auch schon mal aggressiv eingesetzt wird und sich Toleranz mitunter als Scheintoleranz entpuppt. „Ein Schweizer Film mit Charme und Schalk ..." - „Wieder mal ein Schweizer Film mit Leichtigkeit und Humor ..." - herrlich, das habe ich gestern Abend nach der Premiere oft gehört, und besser könnte ich selbst den Film nicht charakterisieren - "Französische Leichtigkeit ...".

Die Stimmung anschliessend bei der Eröffnungsparty war heiter und angeregt, alle waren gut gelaunt. Max Gertsch und ich, die wir die beiden Brüder im Zentrum der Geschichte spielen, wiederholten für die Fotografen ein paar Mal unser Rauchritual aus dem Film ... . Alles mit ein bisschen rotem Teppich aber nicht zuviel und in Gesellschaft der Kollegen, die ich zuletzt im September 2008 beim Dreh gesehen hatte ... . Die Reise nach Solothurn hat sich gelohnt. Jetzt sitze ich wieder im Zug nach Zürich Flughafen ... .

Beim Abschied am nächsten Morgen war Solothurn nichts mehr von der gestrigen Festivalstimmung anzumerken - oder noch nicht: ein paar Festivaltage mehr voller Filme und Cinéasten und Cinéphilen werden ohne Zweifel ihren Eindruck hinterlassen.